Благословляющий Спаситель Боттичелли
Мы говорили о том, что в Италии в католической религии есть свое понимание молельного образа. И такие молельные образы все время создавались, хотя нам сегодня они иногда кажутся светскими по своему характеру, что неправильно. Это такой взгляд как бы со стороны. Образцом действительно молельного образа, очень сильного молельного образа, является эта картина, поздняя совсем картина Боттичелли, изображающая благословляющего Спасителя.
Алессандро Филипепи, прозванный Сандро Боттичелли, и ученик. Благословляющий Спаситель, около 1500, дерево, темпера
К этой работе была пара, изображающая скорбящую Богоматерь. Это было наподобие складня, но вряд ли он складывался, потому что доска была довольно толстая. Просто было два изображения, они очень часто были в парах – Христос, благословляющий Спаситель в терновом венце, и Богоматерь со слезами. Этот образ Богоматери известен по фотографии, в XIX веке он принадлежал собранию великой княгини Марии Николаевны. В начале XX века он появился в одной из коллекций в России. Где он теперь, мы не знаем. Но факт тот, что это образец именно молельного по своему назначению образа, который другой функции не несет.
Здесь, в отличие от привычных нам икон, мы видим не плоскостность, и бестелесность, и условность, а мы видим наоборот как бы подчеркнутую объемность, подчеркнутую даже жесткость. Но если мы присмотримся, там, во-первых, нет такой разницы между телом, волосами, тканью, это как бы все сделано из какой-то одной, очень жесткой материи, твердой, напоминающей камень, это вырублено как из камня, это запечатлено, это не изображено, это запечатлено. Это все прописано золотом. Это новая трактовка позолоты, золота, которая в иконах широко используется.
Надо сказать, что в одной из картин Беллини мы это видим, где зрители, возможно, отходя на расстояние, думают, что это изображение света на синем плаще, это свет, но только он весь прописан тонкими золотыми штришками, такими полосочками. О чем это говорит? Просто он хотел украсить синий плащ? Ничего подобного. Это своего рода интерпретация тех самых ассистов, которые мы видим в византийской, древнерусской живописи – условная разработка золотом, проработка одеяний Богоматери. Что это – свет, который падает на фигуру Богоматери? Нет, это Божественный свет, который излучает Она сама.
Джованни Беллини. Мадонна с Младенцем, около 1476, дерево, темпера
Ссылки [ править ]
Портреты и изготовление медалей [ править ]
Секреты техники
Творческая плодовитость Антонио Кановы поражает. За свою жизнь он создал около 50 скульптур лично и более 180 со своими помощниками, при этом каждая из его работ была шедевром. Загадка столь редкостного таланта скрывалась не только в божественном даре скульптора, но и в уникальной технике.
Канова тщательно готовился к воплощению образа — делал эскизы, рисовал с натуры, лепил макеты из глины. Известно, что на первом подготовительном этапе с глыбой сырого материала работали ученики Кановы, а позже мастер приступал к ваянию образа, который он уже чётко представлял.
Скульптор работал по ночам, чтобы уловить плавную светотень мрамора, добивался ощущения идеальной мягкости поверхности камня путём его полировки в течение нескольких дней и даже недель, а в конце использовал собственную технику «последнего касания» – нанесения патины, чтобы «оживить» скульптуру.
Две работы Антонио Кановы, крылатый Купидон и Эрот типа Centocelle
Крылатый Купидон и Эрот типа Centocelle, Антонио Канова
Среди недоброжелателей этого приговора был и Леопарди, который в ту же ночь, когда были похороны, во время ужина в римском доме кардинала Анджело Май (того самого Май, которому поэт ранее посвятил известные стихи) критиковал вмешательство, которое было слишком медленным.
Жаль, что когда Леопарди делал это замечание, он не понимал, что среди обедающих была и Миссирини, что он не разделял бы этого «поэтического» мнения.
По поводу тройственного членения тела Антонио Кановы великий искусствовед Роберто Лонги, который не был большим поклонником венецианского скульптора, иронично писал в своем «Пять веков венецианской живописи»:
Когда Роберто Лонги написал эти слова, Рука Кановы все еще хранилась в Венеции.. А потом ее окончательно перенесли в надгробный памятник Поссаньо и хранили в стеклянном ящике, где поставили рядом с капеллой скульптора.
Смерть. Надгробный памятник
История жизни Антонио Канова
Скульптура Кановы пользовалась большой популярностью и за виртуозность исполнения. Произведения его грациозны и декоративны. Говоря о лепке Кановы, Дж. К. Арган замечает, что она «глубоко контрастная, рваная, как бы состоящая из интенсивно освещенных маленьких выступающих плоскостей и глубоких, почти черных впадин. Такая лепка не растворяет поверхность, а как бы создает пластическую форму изнутри, как если бы изнутри, а не извне шел свет, при этом восприятие зависит не от изменения условий, а от силы, с которой форма воздействует на зрительное восприятие».
И еще одно из выдающихся качеств Кановы выделяет Арган — «это точность дистанции, которая так нравится зрителю, его восприятия фигуры и пространства как единого целого, как неизменной формы, основанной на его собственном и неизменном отношении к природной реальности. С любой точки зрения, при любом освещении ценность скульптуры, а следовательно и значение, всегда будут одними и теми же».
Полина Боргезе в виде Венеры (слепок из ГМИИ)
С 1802 года итальянский мастер работал в Париже. Сюда его пригласил Наполеон, желая сделать своим официальным скульптором. В работах Кановы того времени нет и тени «красноречия» и лести по отношению к императору. Канова руководствуется только одним идеалом, идеалом искусства, для кого бы он ни работал — для Наполеона, папы или императора Австрии.
Канова был сторонником лозунга «исправляй природу по античному образцу», но античное искусство он исправлял на свой лад, настойчиво стремясь к изяществу, мягкости, нежности. Иногда он стремился быть драматичным («Геркулес и Лихас», 1796) или величественным (надгробие эрцгерцогини Марии-Кристины, 1798-1805, Вена, церковь августинцев).
Больший интерес представляет мраморная статуя «Мир» (1811-1814), которую Канова исполнил по просьбе русского дипломата и мецената Н.П. Румянцева. Девиз, начертанный на родовом гербе Румянцевых, гласил «Не только оружием». Румянцевы принимали участие в заключении перемирий России со Швецией и Турцией. Именно эти события и предложил увековечить в мраморе русский заказчик скульптору.
Три Грации (Эрмитаж)
«Сохранившиеся модели из глины и гипса, — пишет В. Евдокимова, — свидетельствуют о том, что над скульптурой ваятель упорно работал в течение нескольких лет. Подражая античным канонам, Канова изобразил Мир в образе молодой крылатой женщины, попирающей змею. Левой рукой она опирается на жезл, а правой облокачивается на колонну, где высечены названия и даты мирных договоров. Благородство и спокойствие выражены в уверенной позе богини, безмятежных чертах лица, плавно струящихся складках драпировки. Выразителен силуэт крыльев с детально проработанным оперением. Мастер умело использует различные приемы обработки камня на колонне и жезле поверхность мрамора отполированная, блестящая, на теле — матовая, на чешуе змеи — шероховатая».
Русский поэт и переводчик Н.И. Гнедич восторженно воскликнул «Прелестное создание! Существо, блистающее юностью, жизнью и красотою! Неужели рука, вооруженная молотом и железом, произвела тебя» Далее он сообщал, что «статуя Мира, по признанию самого Художника, вместе с его Венерою, деланною для Флоренции, есть лучшее его произведение».
Европейская слава, которую завоевал художник, позволила ему после падения Наполеона вести переговоры и добиться возвращения произведений искусства, вывезенных из Италии французами. В благодарность за это, равно как и за его необычайный художественный талант, Пий VII приказал вписать его имя в золотую книгу Капитолия и пожаловал ему титул маркиза д`Искиа. Несмотря на эти почести и благорасположение со стороны папы, знаменитый скульптор вследствие размолвки своей с кардиналами покинул Рим и последние годы своей жизни провел на родине, в Поссаньо, близ Бассано. Здесь он построил большую круглую церковь, в которой сумел соединить в цилиндрическом объеме церкви и портике два высочайших образца классической архитектуры — Пантеон и Парфенон.
Надгробие Кановы.
Антонио Канова
Итальянский мастер Антонио Канова — знаковый представитель неоклассической скульптуры, который приобрел мировую известность благодаря мраморным скульптурам, изображающим обнаженные натуры. После спада популярности стиля барокко Канова занял нишу неоклассицизма. Мастер был высоко оценен при жизни, современники называли его «верховным министром красоты» и «уникальным божественным человеком». Несмотря на то, что критики упрекали мастера в отсутствии артистичности и жизненности в композициях, обычные зрители отмечали невероятно удачную стилизацию под греческие статуи. Среди произведений Канова следует выделить скульптуры «Тесей и Минотавр», «Купидон и Психея», «Полина Боргезе» и ряд других.
Тесей и Минотавр
Ранняя карьера и обучение
Канова появился на свет в небольшой коммуне Поссаньо, в Венеции. Происходивший из семьи камнерезов, Антонио с ранних лет начал изучать принципы рисования, перенимал у своего деда знания в области черчения, дизайна и архитектуры. Уже в подростковом возрасте Канова обнаружил талант в создании скульптуры. Первые работы способствовали привлечению внимания сенатора Фальеру, который стал покровителем мастера.
Несмотря на то, что Канова знаком нам как неоклассический скульптур, ранние его произведения демонстрируют идеи и элементы барокко и рококо. Примером ранних статуй является «Орфей» (1776 год) и «Эвридика» (1775 год) в стиле рококо, а также барочная скульптура «Дедал и Икар» (1777–1779).
Рим и неоклассицизм
Поворотный момент в формировании стиля мастера связан с посещением Рима в 1779 и 1781 годах. Там Антонио изучает классические произведения старых мастеров, знакомится с творчеством современных художников. В 1781 году Антонио создает статуэтку «Аполлон, венчающий себя», являющуюся одной из самых известных скульптур обнаженной мужской натуры. Работа определила неоклассический стиль мастера, а ее успех позволил молодому скульптору приступить к масштабной работе «Тесей и Минотавр», которая закрепила авторитет Канова. Бескомпромиссная серьезность и, во многом, революционный подход к созданию статуи ознаменовали конец эпохи барокко в скульптуре. С тех пор неоклассицизм выступает в качестве «официального» стиля для всех памятников и скульптур.
Персей и голова медузы
Позже Канова создает памятник Папе Клименту XIV и Клименту XIII (в период с 1782 по 1792). Другая мраморная статуя того периода — «Купидон и Психея» (1786–1793, Лувр), сочетающая классический стиль и эротические мотивы. Герои композиции обращены друг к другу и преисполнены чувством любви.
Три грации
Важной скульптурой является и «Кающаяся Магдалина» (1796, Палаццо Бьянко, Генуя), впервые представленная зрителям в Парижском салоне 1808 года. Эта скульптура, изображающая Магдалину на коленях возле черепа, считается одним из самых значимых произведений современности
Благодаря международному успеху Канова имел возможность, отказавшись от рядовых работ, выбирать заказы в пользу значительных классических фигур.
Кающаяся Магдалина
Скульптуры для Наполеона
После французской революции Антонио Канова по приглашению Наполеона, переехал в Париж, где создал ряд статуй императора. Тем не менее, наиболее известной работой того периода является портрет сестры Бонапарта, Полины, в образе Венеры (1808).
Полина в образе Венеры
Возвращение в Рим
В 1816 году Канова вернулся в Рим и был удостоен звания президента Академии Святого Луки, главного художественного института в Риме. После этого мастер вырезал статую Венеры и Марса (1816–1822) и некоторые другие работы. В 1822 году Антонио умирает.
Венера и Марс
Работает
Наполеон в марте обезоружил и миротворца , Апсли-хаус, Лондон.
Его основные работы: « Тесей в борьбе с кентавром» в Художественно-историческом музее в Вене ; мавзолей Климента XIII , в базилике Святого Петра , в мавзолей Клемента XIV , в мраморе, в базилике Святых Апостолов ; Детская психика, стоящая, держащая за крылья бабочку, помещенную в руку ; Альфьери мавзолея , в церкви Санта — Кроче во Флоренции ; Вашингтон , для Сената Каролины, Мадлен , Орфей и Эвридика , Дедал и Икар , Адонис и Венера , Эндимион , Венера-Виктрикс ( Полина Бонапарт ), Полимни ( Элиза Бонапарт ) и т. Д.
Этого художника отличает чистота контуров, изящество форм, мудрость композиции, выражение физиономий, умение придать мрамору блеск и мягкость живой природы; некоторые отрицают его энергичность и оригинальность. Он был иностранным сотрудником Института Франции .
Памятник в сердце Кановы в Венеции
Его работа была опубликована в году Этьеном Ахилле Ревейем и Анри де Латушем . Antoine Кватрмир Де Куинси дал исследование по Канова и его произведения , и граф Леопольдо Сикогнара его Биография , Венеция , .
Скульптурные портреты и женские обнаженные тела
Он сделал множество скульптурных портретов, будь то бюст ( Доменико Чимароза , 1808 г. или Папа Пий VII между и 1807 гг. ), Но также и в полный рост, где он сочетал лицо, смоделированное на природе, с идеализированным телом, иногда обнаженным и вдохновленным античностью. . Его портрет Наполеона на Марсе, обезоруженного и миротворца , завершенный в 1806 году, на котором император изображен обнаженным, действительно напоминает древний мрамор. Получатель так и не принял его, несмотря на интервью Кановы с последним в 1810 году, в котором он пытался объяснить свой эстетический подход. Однако художник сделал несколько других скульптур близких к Наполеону, в том числе скульптуры его матери ( мадам Мер , 1807 г. ) в сидячем положении, аналогичном позе Агриппины, сидящей в Капитолийском музее , и его сестры Полины Бонапарт. Боргезе в » Венере-Победе» ( — ); в этой работе, которая остается одной из самых известных, Полина изображена лежащей на клине , ее тело широко раскрыто. Ла Галатея , для которой Полина также позировала, является статуей в музее Демидофф в Сан-Мартино и копией в саду Мулини (остров Эльба). Интерес к женской обнаженной натуре в заброшенных позах также постоянен в ее творчестве. Обеспокоенный передачей цвета плоти и кожи, он, не раздумывая, покрыл мрамор тонким слоем розового воска. Он создал женское тело с тонкой лепкой и заботой о деликатности, что отражается в драпировке как спереди, так и сзади.
Картины
Считая себя художником-любителем, рисующим для собственного удовольствия, он посвятил себя этой деятельности в основном между 1780 и 1799 годами. По словам одного из его биографов, Джузеппе Паванелло, его картины обнаженных женщин использовались для развития его собственных канонов женской красоты. Одна из них, Венера с зеркалом, расписанная в стиле венецианского кватроченто , была продана Кановой как подлинное произведение эпохи Возрождения . Серия из двадцати двух монохромных полотен, посвященных теме Геракла, бросающего стрелы в собственных детей, собрана на его родине в Поссаньо . Другое полотно, посвященное той же теме и хранящееся в Muséo civico de Bassano, демонстрирует огненное мастерство и мощное драматическое чутье в обращении с темой смерти, которое контрастирует с ее обычным, элегическим и меланхолическим производством.
Влияние и потомство
Если Канова отказывался от учеников, ему часто подражали при жизни и после его смерти. Однако, как официальный художник, он испытал определенное разочарование, связанное с усилиями по прославлению Наполеона. Таким образом, вопреки суждению Quatremère de Quincy , Давид д’Анджерс, находившийся под влиянием своей молодости, критиковал мягкость своих произведений и отказывался видеть в нем продолжателя греков. Однако искусствовед и директор Академии изящных искусств в Венеции Елена Басси, изучая рисунки, эскизы и картины Кановы, обнаруживает уникальную личность, выделяющуюся на фоне произведений ее современников.
Художники Давид д’Ангерс , Руд , Бари или Домье не последовали за Кановой, они придерживались противоположной точки зрения. С другой стороны, Джеймса Прадье можно считать его преемником.
Внешние ссылки
- storiadellarte.com: Жизнь Пизанелло
- artonline.it: Жизнь и некоторые работы художника
- artmotore.com: еще одна биография Пизанелло
- artcyclopedia.com: Работы художника
| авторитетный контроль |
|
|---|
- Datos: Q311082
- Multimedia:
Миф об Амуре и Психее
Начиная свой рассказ о творении Кановы, я хочу отметить, что сюжет, который продемонстрировал нам мастер, был популярен в далёком прошлом. В Древней Греции миф об Амуре и Психее знал практически каждый. Его можно назвать захватывающей и трогательной историей любви, которая способна преодолеть любые препятствия.
Интересно, что мать Амура, Венера (она же Афродита) весьма подозрительно отнеслась к будущей невестке. Именно она отправила Психею в подземное царство. Девушка должна была принести от царицы подземного мира Персефоны волшебную пудру.
Это испытание Психея прошла достойно, но, как любая женщина, не устояла перед соблазном заглянуть в ларец с волшебным средством для богов. Вдохнув немного пудры, она погрузилась в беспробудный сон. И тогда к Психее спустился с небес Амур, который поцеловал её, возвратив к жизни. С той поры Амур (Любовь) и Психея (Душа) всегда неразлучны.
Иоганн Баптист фон Лампи Младший «Скульптор Антонио Канова», 1806 годМестонахождение: Коллекция Лихтенштейнов, Вена, Австрия
1780–1797 годы. Рим
Первое пребывание в Риме продлилось недолго, с 1779 по 1780 год, но этот период жизни оказался для Кановы очень насыщенным и важным. Он поселился в Палаццо Венеция (Palazzo Venezia) в качестве гостя венецианского посла и окунулся с головой в культурную жизнь Рима.
Работы
Переехав окончательно в Рим, Антонио Канова создал за период с 1780 по 1797 год ряд работ в разных жанрах, но наибольший успех и всемирную известность ему принесли скульптурные группы c сюжетами из древнегреческой мифологии.
Тесей и Минотавр
Одной из первых работ Антонио Кановы, выполненной в 1781 году в своей новой римской студии, стал «Тесей и Минотавр».
Заказчиком выступил венецианский посол в Риме Джироламо Зулиан (Girolamo Zulian) – один из самых влиятельных покровителей скульптора и искренний ценитель его творчества. Он же предоставил мастеру массивный кусок мрамора из коллекции музея Королевы Виктории и принца Альберта.
Сюжет скульптуры необычен тем, что герой Тесей изображён не в момент своей славы, а уже после победы над Минотавром, когда он сидит в задумчивости на бездыханном теле чудовища. Спокойный ритм композиции вместо драматической линии движений подчёркивает сдержанный и изящный стиль, присущий античным статуям. Публика, увидев впервые скульптуру «Тесей и Минотавр», приняла её за копию греческого оригинала и была потрясена, узнав, что это работы выполнена современником.
Скульптура «Тесей и Минотавр» находится в Музее Виктории и Альберта (Victoria and Albert Museum), Лондон.
Психея, возрождённая поцелуем Купидона
«Психея, возрождённая поцелуем Купидона» — самая прекрасная и узнаваемая работа Антонио Кановы, которая считается шедевром неоклассического направления в скульптуре.
Канова трудился над ней почти 6 лет, с 1787 по 1793 год. Скульптор изобразил трогательный момент пробуждения смертной девушки от поцелуя возлюбленного — сына Венеры. Психея была отравлена матерью бога зельем из подземного царства, но в объятиях Купидона она вернулась к жизни. Сюжет и позы фигур Канова подсмотрел на фреске из Геркуланума (Ercolano), но преподнёс сложную композицию в своём стиле – с удивительным изяществом и чарующей безмятежностью.
Скульптура «Психея, возрождённая поцелуем Купидона» находится в Лувре (Luovre), Париж
Геракл и Лихас
Колоссальная (более 3 метров) по размерам скульптура «Геракл и Лихас» поражает взрывным характером движений и резко отличается от идеалистических образов других работ Антонио Кановы.
Согласно сюжету из пьесы Софокла «Трахинянки» разгневанный Геракл бросает в море юношу Лихаса – посланника, передавшего от жены Деяниры отравленный хитон. Тончайше одеяние (едва заметные складки на мощном торсе героя) было пропитано кровью кентавра, который обманул женщину, выдав ядовитое зелье за волшебную жидкость верности. Оба героя, и сильный Геракл, и хрупкий Лихас, оказались одинаково беззащитны перед судьбой.
Заказчик, заплативший большие деньги за эту скульптуру, так и не получил её, потому что покинул Италию из-за вторжения Наполеона в Неаполь. Канова начал работать над «Геракл и Лихас» в 1795 году, а завершил только 1815 году, продав статую повторно римскому банкиру.
Где находится дом Антонио Канова
Рим бережно сохраняет свою историю. Не многие туристы, посещающие Вечный город знают, что на пересечении виа Колонетте и виа Антонио Канова находится дом знаменитого скульптора эпохи неоклассицизма, внесшего неоценимый вклад в развитие мирового художественного искусства. Канова переехал в Рим в 1799 году и, будучи гостем венецианского посла при Папском государстве, первоначально проживал в Палаццо Венеция, пока в 1803 году не купил этот дом. В 1806 году художник выкупил еще несколько стоящих рядом домов, принадлежавших августинцам церкви Санта Мария дель Пополо, и перестроил здание в единую структуру, основав в нем свою мастерскую.
Главный вход в простое и ничем непримечательное здание, наружные стены которого украшены многочисленными фрагментами архитравов, статуй и барельефов, находится со стороны Via delle Colonnette, 27.
Дом и мастерская Антонио Канова
Перед своей кончиной Антонио Канова завещал дом и мастерские своему другу и соратнику итальянскому скульптору Антонио Д’Эсте и его сыну Александру. В 1875 году здание выставили на аукцион, и через пять лет его приобрел римский живописец Аркимеде Транзи (Archimede Tranzi).
С 1912 года здесь разместился Союз художников, о чем извещает помещенная на внешнюю стену дома в 1917 году мраморная плита с надписью: «I GENNARO MMDCLXX QUI DOVE RIFULSE IL GENIO DI CANOVA EBBE DIMORA L’UNIONE DEGLI ARTISTI CHE CESSATA RICORDA». Интересно здесь то, что указанная на ней дата 1 января 2670 года, прописанная римскими цифрами, рассчитана от основания Рима и эквивалентна 1917. В настоящее время в Доме находится галерея «Il Canovaccio», внутри которой организованы литературные собрания.
Отели в центре Рима
Собираетесь в Рим и ищите комфортный отель в центре города — тогда посмотрите, что мы для вас нашли
Смотреть отели
Биография[править | править код]
Первая скульптура
биография • Идея совершенства
Canova And The Apollo Belvedere: Neoclassical Sculpture
After his run-in with Gavin Hamilton, Antonio Canova’s later works began to depict a more idealized beauty, taking inspiration from the works of old. Canova’s Perseus with the Head of Medusa took inspiration from not just the descriptions of the Apollo Belvedere but also Benvenuto Cellini’s Perseus and Medusa.
The primary traits that Canova’s Perseus inherited from the Apollo Belvedere include: a lack of intense musculature with the same idyllic body type; heavy use of waterfall drapery; almost identical poses except for their capes and the items they hold (they are mirrors of each other); and their triumphant and smug facial expressions.
Winkelmann sought to highlight the dual emphasis on the sensual and ideal qualities of Greek sculpture, even though he was only able to see the Roman copies of many of the destroyed bronzes. At this time, going to Greece was not possible due to the reign of the Ottoman Turks.